インタビュー　ハナムラ　チカヒロ　さん

（聞き手・進行　牧尾晴喜）

ランドスケープデザイナーとして、数々の斬新なプロジェクトで注目を集めるハナムラチカヒロさん。病院での大規模なインスタレーション作品『霧はれて光きたる春』やクリエイティブシェアの場である『♭（フラット）』を中心に、デザインに対する姿勢についてうかがった。

-------まずは、『霧はれて光きたる春』についてうかがいます。この作品では、病院の大きな吹き抜け空間に霧が立ちこめ、さらにはシャボン玉が舞い落ちてくるといった圧倒的な風景を生み出しました。2012年には、世界最大規模の空間環境系デザイン賞であるDSA空間デザイン賞において、大賞と日本経済新聞社賞を同時受賞されています。
この構想はどのようにして？
ハナムラ：　最初から霧やシャボン玉を使って何かをしようという考えがあったわけではなく、この吹き抜け空間という場所性があったからおもいついたんです。ここは機能的には採光のためだけにあって、誰も見向きもしない空間になっています。病院でも、「ここをつぶしてベッドをつくればもっとたくさんの患者さんを救えるのに」という声もありました。でも、そんなふうに人が目を向けていない風景にこそ、何かの価値や意味を見いだしていくことがアーティストの社会的な役割だとおもっています。

------構想プロジェクトの準備段階では、どのようなことを考えられましたか？
ハナムラ：　最初は、大阪市立大学医学部付属病院の6階から18階までの入院病棟を、くまなく歩いて調査してまわったんです。病院の協力を得て、看護師さんと一緒に白衣を着て医者の様子で調査しました。そのときに気づいたことが2つあります。
　ひとつは、入院患者さん同士のコミュニケーションの重要性を感じたことです。病気というのは自分の身に起こっていることなので家族とも共有できないこともあります。しかし患者同士が自分と同じような境遇の人々の存在を感じるという瞬間を持ったり、そういう人とコミュニケーションの時間を持つ事で、ひょっとするとそうした孤独から少しは解放されるのでは、と考えました。
　もうひとつは、医者と看護師と患者との間のコミュニケーションが固定化しているんではないかという問題意識です。病院では医者や看護師、患者といった役割が規定されていて、お互いに無意識に役割を演じてしまう関係にあるのではないかということです。それはそれで、病気の治療を進めていくうえで欠かせないことですし、病院にかぎらず、わたしたちは常に社会的な役割を演じているわけです。でも、ひととひととのコミュニケーションという意味では、その役割を脱ぎ捨てる瞬間が病院の中にあってもいいだろうと感じました。
　こういう役割とか立場などの壁を取り払われて一瞬でも素のままの状態に戻る時というのは、圧倒的な出来事が目の前に起こっている場合だと思うんです。その瞬間を生み出す事が出来ればと考えました。

------病院での大規模なインスタレーションなので、実施に向けてのハードルはすごく高かったと思います。経緯というか、前段階のようなものがあれば教えていただけますか？
ハナムラ：　じつは、『霧はれて……』の前に、病院で2つの作品を作りました。ぼくは『船場アートカフェ』という大阪市立大学のプロジェクトに、ディレクターとしてかかわっていたんですが、その同じディレクターの一人に大阪市立大学医学部附属病院の山口先生がおられました。そちらの病院では、当時で5、6年、写真展やワークショップなどのアートプロジェクトをされていたんです。病院でのアートプロジェクトをより本格的にやっていきたいということで声をかけていただきました。
　最初は、改装中の小児科外来の病棟に仮設の殺風景な壁があり、その壁で何かできないか、ということでした。大学病院の小児科というところは0歳から20歳まで、とにかくすごい数の人が来るんですが、子供たちは2時間待って診察は5分という感じでほとんどが待っている時間です。そこで、この待っている時間を何かに使えないかと考え、子どもたちがこの壁に絵を描けるようにしようと考えました。山と海と空を最初に僕が描いておいて、子どもたちには登場人物を描いてもらうルールにしたんです。その時に、「タングラム」という図形パズルを用いて形を組み合わせる事で壁に自由に登場人物を参加させてもらうようにしました。結果、当初こちらが想定していた形だけでなく、奇妙な太陽やイカのような生物など子供たちの発想で様々なキャラクターが出てきて、壁だけでなく床など当初想定していなかった他の場所にも拡がっていくという感じになりました。この作品は2ヶ月間の展示で撤去されたんですが、展示期間中とても好評で、今度は待ち時間が楽しくて診察に行くのが嫌になったという子もいたくらいです（笑）。重要だったのは、現場の看護師さんたちが喜んでいて、この展示終了後に自分たちでこの作品の常設のコーナーをつくられたんです。僕はその行為に意味があると感じていて、その現場の方々が自分ごととして捉えるようになることで、外部からもちこまれた「芸術」がその場所の「文化」になった瞬間だと思いました。僕は自分の創造性によって誰かのまなざしが変わればいいなといつも願っていて、この出来事は自分の中でも大きな意味があったとおもいます。
　次の年には、800人居る入院患者に向けて6階の空中庭園で何かをしてほしいということでした。相部屋での長い入院生活などもありますので、患者さんたちが一人になるためにやってくる場所です。実際に行ってみると、とても気持ちのいい風が吹いていてこの風に物語を与えられないかと考えました。そこで500個の風船を浮かべ、風を視覚化したんです。風がふけば同じ方向に風船が倒れ、逆からふくと反対に倒れます。夕方の凪の時間には空に向かって垂直にピンと風船が立ち始めます。雨が降ると風船に水滴がついて沈むんですが、乾くとまた浮かんできます。そして、この風船には一つずつにメッセージが添えられています。看護師さんからの言葉を集め、詩人の方と一緒に刻んで、ひとつひとつの風船に違う言葉をつけました。こうやって患者さん達が下りて来て言葉に出会い、何か心に響く物があれば、風船をちぎって部屋に持って帰ることができるようにしたんです。開始当初500個の風船を浮かべましたが、2日で200個がなくなりました。病院のような場所は治療が最優先されますし、どうしてもアートは後まわしになります。しかしそんな場所でこそ、アートのような角度から近づくことで不安な心に何か手を差し伸べられるかもしれないと改めて感じました。

------そういう信頼関係もあったうえで3年目に、『霧はれて……』が実現するわけですね。
ハナムラ：　はい、3年目では、すべての病院のひとを対象にして「どこで何をやってくれますか」と言っていただけました。それまでの信頼関係の積み重なりがあって、今度は一緒になって場所の可能性を探すところからスタートしたんです。やはり、病院のようなデリケートな現場にアーティストが入って行くにはそうした信頼関係が重要だと思いますし、通常の美術館ではありえないような制約やリクエストにも応えて行かねばなりません。たとえば、『霧はれて……』では、機材の電源や搬入などさまざまなハードルがありましたし、市大病院の場合は実施の2日前に、用意していた音楽をすべて変えました。当初作っていた音楽のリズムが、心臓の鼓動のリズムに同期してしまうので、脈や心拍が不安定になってしまう患者さんがいるからという理由で。先ほどの風船の作品でも、事故などが起こらないよう、力がかかるとすぐに切れるような不織布を探して使用しました。病院のようにアートに対する制限がとても強い場では、自分で用意している答えをもっていってすぐにやりたいことを実現するのではなく、生の現場と向き合って、いろいろなリクエストを乗り越えていくような作品や態度が必要なんだと思います。

------次の話題にうつります。芸術と生活創造の場、クリエイティブシェアの実践の場として、『♭（フラット）』を運営されています。立ち上げられたきっかけは？
ハナムラ：　フラットは2008年10月に立ち上げたんですが、それ以前は大阪大学のコミュニケーションセンターで仕事をしていました。哲学者の鷲田清一さんや劇作家の平田オリザさんをはじめ、いろいろなジャンルの方々が、それぞれの立場でコミュニケーションについて研究や実践をされていましたが、ぼくは空間デザインからコミュニケーションデザインにアプローチしていて、実際に街のなかでもいろいろな実験を展開しました。色々とさせていただいたのですが、さまざまな可能性とともに、大学という枠組みでできることの限界も感じました。たとえばシンポジウムなどを開催すれば、関心があるひとが集まり、参加して帰っていきます。でもその出来事を見たいと思っていなかったり、その話題に特別な関心がないひとがたまたま見て関心を持つようになることの方がひとが成長する度合いが大きいと感じたのです。
　そこでスペースを借りて実験アトリエとして立ち上げ、自分の生活や生き方自体も一から問い直しながら、様々な目的をもった人々が偶然出会ってしまうようなきっかけのある場を作ろうと考えました。ここではクリエイティブシェアというコンセプトを作って、目的意識、利害関係などが異なるひとたちが出会い、価値観や創造性をシェアし交換する場を目指しています。

------クリエイティブシェアをするにあたって目をつけられたのが大阪の緑橋というのもユニークですね。
ハナムラ：　当時は、まだ誰にも目をつけられていない場所でした。既に何かの創造性の共有を始めようとしている人たちがいる地域はその人たちに任せておけばいいと考え、新しい場所で新たな芽をまこう、と。僕のアトリエはもともと活版印刷工場だった物件で、物件を発見した翌日にはここで立ち上げようと決めていました。ガスはきていない、電気はかろうじて、といった環境で、一から生活を獲得したかったんです。ぼくは演劇や映画で俳優をやることがあるんですが、当時主演していた舞台の稽古にも使っていました。当初一人で解体するところからスタートしましたが、様々な人々がここの場作りに関わっています。演劇の稽古場から映画の撮影場所、文化にまつわるシンポジウムの開催、地域の子どもたちの劇団の稽古、大学生たちとの工事といった感じで、いろいろな出来事を通じてネットワークが広がっていき、世代や価値観の違いを超えた交流がうまれてきました。左官や水道工事など建設行為のワークショップもしました。そうした工事の中でたとえば1本でも釘を打てば、その場所に愛着がわきます。そうやって場を中心にして集まる人々が演劇のように物語を繰り広げていくなかで場所への誇りや愛着が生まれ、サロンのような場所へと繋がって行きます。僕が提唱するクリエイティブシェアとは、ひとが持っているクリエイティビティをみんなでシェアするということ、そしてまたシェアによってクリエイティビティがあがっていくことなんです。

------ハナムラさんはどんな子どもでしたか？
ハナムラ：　韓国のソウル生まれの母と京都生まれの父の間に生まれ、親族のほとんどはアメリカに居ました。日本と韓国とアメリカという3つの国に関わっていたぼくはずっと全部のコミュニティからはどこか外側に居た感覚がありました。つまり、日本というコミュニティの外側だったし、韓国というコミュニティからみても外側だし、日本のいわゆる「在日」のコミュニティからも外側でした。母とは日本語で話し、母と親族は韓国語で会話し、アメリカから来た親族とぼくは英語で話したりしていました。だから、ずっと大阪で育ちましたが、このまち自体が僕にとって外国に居るような気分でした。小学校の頃って、クラスにグループがあったりしますよね。ぼくはどのグループとも仲良くなるけれど、どこにも所属せず、グループをつくることもなく、という感じでした。
　こうやったコミュニティの規範から離れた状態にいると、そのコミュニティの内側では見えないものを外から発見したり、あるいはその集団を相対化できる立場にいることがあります。いま思えば、そういう見方をしていたところがあるかもしれません。自分は旅人であるということはずっと意識していました。

------今後のビジョンを教えてください。
ハナムラ：　いま手がけている仕事のひとつに、この７月に北海道でのモエレ沼公園で開催されるフェスティバルのプロデュースがあります。ランドスケープアーティストのイサム・ノグチがつくった公園として有名で、その場に居ると地球や宇宙の広がりまで感じられる空間です。都市のなかで生きていると視界が閉ざされていて、星空を眺めたり地球や文明といった大きなスケールに思いをはせることを忘れてすぐに目の前のことにしか目がいかなくなってしまいます。そんな日々の中で一年に一度、この公園で繰り広げられるフェスティバルに物語を与えて毎日の忙しい生活で忘れかけていることに目を向けてもらえるようなものにしたいと考えています。
　僕が何か表現するときに大切にしているのは、僕自身の自己表現でなく、人間の生き方や普遍的な何かにつながっているようなメッセージを考えるプロセスです。自分のイマジネーションや創造性が何かそれに触れるひとにつながって共有されていくことが重要だとおもっていますし、それ以上に芸術という手段で、僕たちが知らない間に陥ってしまっている考え方やまなざしに揺さぶりをかけて、別の角度が物事を捉えるためのきっかけに気づいてもらいたい、と言ってもいいかもしれません。